Издавна, стараясь украсить свой быт, люди стремились использовать самые простые материалы для сочетания несложных форм и средств с неприхотливыми узорами, достигнув при этом высокого мастерства. Ручное вязание изначально появилось как простая утилитарная необходимость, в дальнейшем превратилось в настоящее искусство. Вязаные изделия всегда ценились очень высоко. Например, в Европе их могли поначалу носить только очень состоятельные люди. Вязаные шелковые чулки были подарком даже для королей! Так, шведский король Эрик IV выписал себе пару шелковых чулок. А стоили они – годовое жалование королевского сапожника…

Очень сложно точно установить историю вязания, так как нити и трикотаж сохранить тяжело. Но все-таки некоторые свидетельства этого искусства дошли до нас в виде изображений. В одной из египетских гробниц (1900 год до н.э.) сохранилось изображение женщины, надевающей носки. Отпечаток чулка обнаружен в застывшей лаве Помпеи в 79 году н.э. Детские чулки III-Ivв. Н.э. найдены в Египте. Эти чулки уже учитывали форму обуви, сандалий с ремешком после большого пальца. У древних египтян при изготовлении носка большой палец вязался отдельно, как на варежках. Позже где-то в IX-XI веках некоторые искусные вязальщицы стали наносить даже тексты на носки. В музеях Детройта и Баделя хранятся такие образцы древнеегипетского вязания из хлопчатобумажных нитей с древнеарабским текстом.

В XV-XVI веках вязание довольно активно распространяется по Европе и превращается в домашнюю работу и в доходную отрасль: вяжут чулки, носки, перчатки, капюшоны, кофты шляпки. Тогда же появился и стал традиционным для шотландцев головной убор – вязаный берет. Появились целые вязальные цеха. В 1589 году помощник приходского священника из Вулбриджа Вильям Ли изобрел вязальный станок. Но чем больше выпускалось изделий массового машинного производства, тем более ценными становились изделия , изготовленные вручную, а особенно, изделия, связанные крючком, ведь такие изделия невозможно было повторить на машине. И до сих пор нет вязальных машин, которые бы могли вязать полотно, похожее не связанное крючком.

Со временем работы мастеров становятся искусством, вязаные изделия попадают в музеи. Например, две кофты XVII века хранятся в Швеции – в Северном музее в Стокгольме и в Историческом музее в Гетеборге. Обычно в Европе кофты вязали из однотонной пряжи, украшая изнаночными петлями лицевое полотно, а ведь арабы еще пару тысяч лет назад могли выполнять многоцветные сложные узоры.

В наши дни это искусство продолжает развиваться, обогащаясь новыми мотивами, композиционными приемами, современными материалами. Для этого занятия требуются знания кройки и шитья по трикотажу, а в работе с крючком много общего с вышивкой и ткачеством. И все равно , ручное вязание выгодно отличается из других видов рукоделия. Особенно оно привлекательно, что исходный материал – пряжу- можно использовать несколько раз и без особых потерь. Ручное вязание позволяет изготовлять неповторимые, уникальные модели. Возможности крючка позволяют сделать различные декоративные вещи, например, кружева, покрывала, одежду, игрушки, украшения. Действительно, в настоящее время очень трудно представить наш гардероб без трикотажа. Вязаные изделия удобны и прочны, практичны и элегантны, в них тепло и уютно.

Ручное вязание позволяет выразить свою индивидуальность, задуманный образ с помощью выбора фактуры и цвета пряжи, ее переплетений, оформления и фасона изделий.

При вязании изделий допустима тесная взаимосвязь стилей, узоров, сочетания спиц и крючка. Но все же рекомендуем проявлять чувство меры, так как каждая деталь должна быть значимой и на своем месте, чтобы ваши модели не выглядели нелепо или неаккуратно выполненными. С помощью выставок, журналов, демонстрации моделей постарайтесь создать свой неповторимый образ и настроение.

Цените материалы и свое время: создавайте свои модели, а наши уроки помогут Вам. Ведь иногда случается так, что модель нравится в журнале, а в Вашем исполнении она не смотрится. Это происходит из-за многих причин:

- ошибка при выборе узора
- не учтено сочетание различных нитей или цветов
- ошибка при расчете
- детали связаны очень аккуратно, а вот изделие обработано не качественно
- не учтены мотивы узоров и т.п..

А переделать не всегда есть время, да и желания уже того нет… И пряжа после перевязывания хоть немного, но меняет свои качества не к лучшему – некоторые виды современной пряжи вовсе нельзя перевязывать.

А ведь очень часто достаточно лишь использовать фактуру пряжи для создания красивой неординарной вещи. Практичный человек сумеет «вписать» в свой гардероб моду и продлить срок жизни своих изделий, потратив при этом минимум времени. Все чаще при изготовлении одежды используются кружева и ажурные воротнички, – и Ваше платье уже выглядит более изящным, элегантным, женственным.

Головные уборы и перчатки - наиболее актуальное дополнение к костюму. Их нельзя повторить из ткани – а шаль, связанная крючком всегда будет только Вашей неповторимой вещью. И вообще головные уборы – особые изделия, они всегда на виду, привлекают внимание в отличие от платьев, костюмов, кофточек, которые скрыты часто верхней одеждой.

Мода на трикотаж – это и украшение нашего интерьера. Можно создать вязаный абажур или скатерть, салфетку или вазочку – и Ваш дом приобретет только Вам свойственный уют и тепло.

Многие узоры сами по себе не новы, но комбинаций этих узоров может быть бесконечным, а творческая мысль позволяет создание множество форм.

Возникновение вышивания, одного из самых массовых видов народного искусства, относится к эпохе первобытной культуры и связано с появлением первого стежка при шитье одежды из шкур животных. Вышивкой называется украшение изделий из различных материалов орнаментальным узором или сюжетным изображением выполняемыми нитками и другими материалами вручную с помощью иглы или машинным способом. Материалом для вышивки в разное время служили жилы животных, натуральные или окрашенные нити льна, конопли, хлопка, шелка, шерсти, волос, а также жемчуг и драгоценные камни, бусы и бисер, блестки, ракушки, золотые и медные бляшки, монеты.

Вышивка тесно связана с бытом, трудом, природой и, таким образом, всегда отражала художественные вкусы и представления, выявляла национальное своеобразие и мастерство каждого народа. Возникнув в глубокой древности, искусство декоративной вышивки на протяжении многих веков сохраняется в убранстве жилища, одежды и различных предметов обихода.

Высокого совершенства роскошные вышивки достигли уже в деспотиях древнего Востока, где они применялись для украшения облачений правителей и жрецов, а также дворцовых и храмовых завес, колесниц знати и т.д. Вышивка является одним из древнейших и очень распространенных способов украшения ткани. Кусок ткани, нитки, игла — вот весь несложный материал для вышивания, настолько портативный, что каждая любительница рукоделия может всегда иметь его при себе. В отличие от тканных и плетеных узоров рисунки вышивок наносятся на готовую уже поверхность ткани, так же как живопись и набойка красками, отличаясь от последних только материалом и техникой исполнения.

Узоры вышивок выполняются крупными и мелкими стежками, сочетания которых образуют так называемые вышивальные швы. Способы вышивания и материалы очень разнообразны. Вышивают льняными, шелковыми, шерстяными, золочеными и серебряными нитями, часто используя бисер, жемчуг, драгоценные камни, металлические пластинки различной формы, цветные и зеркальные стеклышки, шнур и т.д. Фоном для вышивания служат льняные, шерстяные, шелковые, хлопчатобумажные ткани, а также кожа, пергамент и прочие материалы. Нити для вышивания употребляются различной толщины, что дает возможность вышивальщику разнообразить узор вышивки не только швом, расцветкой, но и рельефом. Вышивкой иногда дополняют тканый или набивной узор, чтобы подчеркнуть те или иные его части или контур рисунка. Но чаще всего вышивка применяется как самостоятельное украшение ткани.

Для Русского Севера характерна белая строчка, для Верхнего Поволжья — цветная. В Ярославской области для цветных строчевых вышивок подбирались шелковые нитки нежных тонов или шерстяной гарус. В Олонецкой, Вологодской и западной части Архангельской области вышивали преимущественно тамбуром. Белая и цветная гладь с растительными мотивами характерны для Владимирской области, золотое шитье — для Тверской, гипюры — для Горьковской и Ивановской областей. В узорах северной вышивки сюжетные мотивы преобладали над геометрическими. Узоры рисовали на бумаге в клетку и вышивали по счету нитей в ткани. Сложные композиции выполнялись контурно, одним цветом, одним приемом вышивки. Вышивки Калужской, Тульской, Рязанской, Смоленской, Орловской и других среднерусских областей многоцветны. Орнамент — геометрический или геометризованный. Самый распространенный способ вышивки — цветная перевить. Использовались и другие швы: набор, косичка, козлик, крест, счетная гладь, мережки.

В настоящее время сохранилось мало вышивок, имеющих художественное значение, за исключением народных вышивок, среди которых действительно встречаются прекрасные образцы.

История бисера уходит в далекое прошлое. Великолепный по своим декоративным качествам материал привлекал внимание мастеров с незапамятных времен.

Бисер в древности

Стеклянные бусины непосредственные предшественники бисера украшали одежду древнеегипетских фараонов. Кочевые племена сарматов и скифов еще за несколько столетий до Рождества Христова носили одежду и обувь, отделанную бисером. Маленькие стеклянные шарики украшали ворот, края рукавов и нагрудную часть рубах, а также шаровары, пояса и головные уборы.

Бисер на Руси

Не обойден вниманием бисер и на Руси. Первые сведения о его использовании в декорировании одежды относятся к IX XII вв. Этим же периодом датируются и захоронения на территории Латвии, в которых были найдены матерчатые венцы, украшенные бронзовыми спиральками и бисером.

Бисер в Венецианской республике

На протяжении нескольких столетий единственным центром производства бисера в Европе была Венецианская республика. До этого его изготовляли в стеклодельных мастерских Германии и Галлии. из этих мест оно перекочевало в Византию, а уже из Византии пришло в Венецию.

Центром производства венецианского стекла стал остров Мурано. Там изготовляли различного вида сосуды (в основном надувные), зеркала, бусины, пуговицы, бисер и прочее. Если на начальном этапе создания промысла в мастерских делали различные типы стеклянных изделий, то несколько позже они стали специализироваться на каком-либо одном виде продукции. Венецианское стекло, в том числе и бисер, приносили республике колоссальные доходы. Страны Восточной Африки, европейские государства, а затем и Америка такова география торговли стеклянными изделиями.

Интересно отметить, что знаменитый мореплаватель Марко Поло был сыном известного в то время бисерного мастера. Возвратившись на родину из своего долгого путешествия, Марко Поло поведал о большой популярности стеклянных украшений в заморских странах, что в свою очередь способствовало расширению производства венецианского стекла.

Значительные прибыли Венецианской республики, являвшейся монополистом в стеклоделии, вызывали зависть у жителей соседних государств, которые пытались разузнать секреты стекольного производства. Стремясь сохранить монополию в торговле стеклом, правительство республики в 1275 году издало указ, запрещавший вывоз за ее пределы сырья, необработанного стекла и даже его осколков. Сделано это было для того, чтобы конкуренты не могли определить состав стекольной массы. Жестокое наказание ждало мастеров, вывозивших секреты производства стекла за границу, их объявляли государственными изменниками, брали в заложники родственников, добиваясь возвращения беглецов, убивали.

Но правительство Венецианской республики стремилось удержать стеклоделов не только силой. Им давалась исключительная привилегия: дочери мастеров могли выходить замуж за патрициев. Мало того, власти закрывали глаза на разбойные нравы, царившие в Мурано. А ведь стеклоделы, помимо своей основной профессии, не брезговали и грабежами. В своих Мемуарах Д. Казанова вспоминал, что приезжие, заночевавшие в Мурано, могли поплатиться за такую неосторожность не только кошельком, но и жизнью.

Макраме в переводе с арабского означает тесьма, кружево, а с турецкого — шарф, салфетка с бахромой. В любом случае — это изделия из узелков. Узелковое кружево смотрится красиво, изделия из него долговечны. История узелкового плетения уходит в далекое прошлое.

Еще в IX веке моряки в свободное время плели цепочки, талисманы. В Древней Греции с помощью узлов лечили переломы. Инки в Перу плели четки. В XV веке итальянцы начинают использовать узелковое кружево для украшения одежды. На Руси вязать узлы -«наузить» означало «колдовать, знахарить, ворожить»- так пишет об этом В. И. Даль. Христианством на Руси осуждалось ношение узлов-амулетов. На востоке в древности существовала узелковая грамота, благодаря которой люди собирали и сохраняли нужную информацию. Расцвет макраме относится к 9 веку до н. э. Именно с этого времени просматриваются истоки создания изделий из узелкового плетения. Родоначальниками макраме считают моряков, которые в часы досуга плели цепочки, кулоны, талисманы и дарили их друзьям в далеких странах.

В 14 веке моряки ознакомили с искусством плетения жителей Испании, Индии, Китая. В кафедральном соборе в Мадриде найдены рисунки узоров и узлов макраме того времени. Тогда же макраме стало известно и популярно в Италии. Изделия макраме отражали в своих полотнах и художники. Одним из первых это сделал Сандро Ботичелли. В картине «Поклонение волхвов» (1476-1477гг.) на одном из персонажей надета шапочка макраме.

В 17 веке макраме из Италии распространилось в Северную Европу и Северную Америку. Тогда же оно стало очень популярным в Англии. Как бы надолго ни забывалось искусство плетения, оно возрождалось с новой силой и не только приобретало новые черты, но и меняло свое название. В разные времена искусство плетения называлось: квадратное плетение, узелковое кружево, узелковая бахрома. И только в 19 веке этот вид рукоделия, ремесла и искусства стали называть макраме. В переводе с турецкого «макрама»- это шарф или салфетка с бахромой, в переводе с арабского «миграмах»- это бахрома или шарф, украшенный плетеным кружевом.

Новая волна возрождения макраме началась в 19 веке. В работах прибалтийских мастеров широко представлены настенные панно, в которых главным образом присутствуют элементы геометрического орнамента. При создании своих композиций художники Прибалтики опираются на традиции народного искусства. При этом в плетении они предпочитают натуральный цвет пеньки, а если и подкрашивают материал, то только в глухие и пастельные тона. Используя макраме для выполнения нагрудных украшений, прибалтийские мастера часто применяют янтарь.

Популярность макраме можно легко объяснить. Изделия, выполненные в технике макраме, отличаются не только прочностью, но и красотой и даже изяществом.

Что мы можем понимать под словом «кружево»? Оно имеет два разных значения. Одно из них происходит от слова «окружать»; им в России определялись самые разные отделки в виде койм на подолах, полах и рукавах одежды. В другом значении этим словом называют узорное ажурное изделие — самостоятельный вид украшения одежды или предметов убранства, и вероятно, оно имеет тот же корень.

В понятие «кружево» включается три различных вида техники: шитое иглой, плетеное на коклюшках, и вязаное на прутках и крючком. Кружевом могут считаться только два первых — шитое и плетеное. Третий представляет другой технический вид — вязку, лишь в некоторых моментах грубо имитирующую плетение. Игольное шитое кружево в России не исполнялось, а плетеное кружево, наоборот, достигло широкого развития, превратившись в новый вид декоративно-прикладного искусства.

Кружево — искусство европейское. Когда оно появилось? Без применения металлических булавок сложные и тонкие изделия выполнить невозможно, а булавки стали известны с середины XVI века, вероятно, с этим временем и следует связывать его возникновение. От второй половины XVI столетия сохранились многочисленные памятники плетеного кружева. Тогда и появился термин, обозначающий кружево в языках разных стран, которые до сих пор оспаривают друг у друга называться родиной кружева.

Именно с развитием коклюшечного кружева связано все разнообразие типов, известных по местам их создания: «брюссельское», «малин», «валансьен». Творческие находки русских мастериц настолько самобытны, что вошли в общую историю культуры под названием «русское кружево». Воспринятое из Западной Европы в XVII веке, русское кружевоплетение не только сохраняло, но и развивало лучшие традиции мастериц европейских стран, и стало подлинным национальным художественным явлением, самостоятельность которого выражается в богатстве колорита, разнообразии технических приемов и, главным образом, в изобразительном характере орнамента, свойственном всему русскому народному искусству. В XVIII веке уже можно говорить о проявлении ярких особенностей, характерных для отдельных мест его производства, таких как Галич, Ростов Великий, Калязин, Торжок, Рязань и Михайлов, Балахна, Орел и Елец и других.

Оригами в переводе с японского означает «сложенная бумага». «Ori» — это складывать, а «kami» — бумага. Таким образом, оригами — это древнее искусство складывания фигурок из бумаги, бумажной пластики. Несмотря на традицонно приписываемые японские корни, искусство оригами своими корнями уходит к древнему Китаю, где и была открыта бумага.
Первоначально оригами использовалось в религиозных обрядах. Долгое время этот вид искусства был доступен лишь представителям высших сословий, где признаком хорошего тона было владение техникой складывания из бумаги. Лишь после второй мировой войны оригами вышло за пределы Востока и попало в Америку и Европу, где сразу обрело своих поклонников.

Для оригами требуется лишь листок бумаги, что делает его одним из наиболее доступных искусств. Для оригами может использоваться любая бумага, но существует определенный стандарт для складывания. Стандартная бумага для оригами должна быть тонкой, прочной и должна хорошо держать складки. Обычно она с одной стороны белая, а с другой – цветная и имеет форму квадрата со стороной 15 см (6 дюймов). Некоторые художники-оригамисты также экспериментируют с другими материалами, используя для складывания картон, различные виды ткани, проволочные сетки, металлические листы и так далее.

Законченная фигура оригами называется моделью, метод складывания модели называется проектом, а нарисованные инструкции для модели называются набором схем.

Существует определённый набор условных знаков, необходимых для того, чтобы зарисовать схему складывания даже самого сложного изделия. Большая часть условных знаков была введена в практику в середине XX века известным японским мастером Акирой Ёсидзавой, единственным учеником которого в России является Зоя Чащихина, президент Московского Детского Центра Оригами.

Оригамисты любят складывать модели животных, а также все объекты живой природы. Кроме моделей животных, созданы модели почти всех физических объектов, включая людей, лица, растения, транспортные средства, здания и др.

Некоторые оригамисты складывают абстрактные или математические формы, другие специализируются в модульном оригами, где из множества сложенных простых частей собирают большие сложные структуры.

Оригами используют различные группы людей. Художники используют оригами, как способ выразиться творчески. Ученые, архитекторы и математики исследуют геометрию оригами для красоты или для практических применений. Врачи и преподаватели используют оригами, чтобы помочь их пациентам поправится от болезни или в целях обучения. И огромное число людей складывают бумагу просто, потому что это весело.

Нитяная графика, изонить (изображение нитью), ниточный дизайн – это графическое изображение, особым образом выполненное нитками на картоне или другом твёрдом основании. Нитяную графику также иногда называют изографика или вышивка по картону.
Существует ещё несколько других названий нитяной графики. В качестве основания ещё можно использовать бархат (бархатную бумагу) или плотную бумагу. Нитки могут быть обычные швейные, шерстяные, мулине или другие. Также можно использовать цветные шелковые нитки. Мы знаем, что очень давно крестьянки сами пряли нити, а потом из них на домашнем деревянном станке ткали холст. Из этого холста шили рубахи, полотенца, передники, головные уборы и другие вещи, а затем украшали их вышивкой. Вышивальщицы, составляя узор, включали различные геометрические фигуры, фигуры птиц, зверей, людей. Со временем вышивка становилась всё более разнообразной и интересной. Конечно, сразу освоить даже очень простую вышивку сложно и поэтому вначале делали рисунок, выполненный нитью.

История возникновения изонити

Нитяная графика как вид искусства впервые появилась в Англии. Английские ткачи придумали особый способ переплетения ниток. Они вбивали в дощечки гвозди и в определённой последовательности натягивали на них нити. В результате получались ажурные кружевные изделия, которые использовались для украшения жилища. В настоящее время искусство нитяной графики находит широкое применение для украшения изделий и предметов быта, для оформления интерьера, для выполнения подарков и сувениров.

История пэчворка восходит к очень отдаленным временам. Так в музее Булат в Каире выставлен образец орнамента, датированный 980-м годом до нашей эры и выполненный из кусочков кожи газели одной тональности. В Токийском музее костюмов представлена одежда периода Майома Эдо (15б9 - 1867), украшенная узорами из кусочков различной ткани. Б IV - IX веках н.э. паломники, совершавшие восхождение к храму (пещера тысячи Будд, находившаяся на древнем шелковом пути), оставляли там кусочки своих одежд. Из этих многочисленных оставленных ктсочков служители храма делали ковер, напоминавший о паломничестве множества людей. Ковер этот был обнаружен лишь в 1920-м году археологом сэром Артуром Штейном.

Необычайно красивый декоративный покров хранится в Петсамском монастыре (ХГХ век), выполненный в мягких тонах Востока и таинственной Византии. В мае 1540-го года Катерина Ховард, одна из жен Генриха VD3 (английского) получила 23 килта из королевского гардероба в знак благоволения короля перед свадьбой.

В Лондонском музее одеял хранятся великолепные изделия, выполненные женами первых поселенцев в Америке.

Очень живучий на Востоке, пэчворк пришел в Европу, вероятно после крестовых походов, когда рыцари привозили из Палестины трофейные флаги, знамена, ковры, выполненные в этой технике и необычайно красивые.

Но в Европе техника эта распространялась очень медленно и хорошо оправдывает свою этимологию «сделанный из кусочков ткани и … труда».

Когда в XVIII веке в Северную Америку стали прибывать эмигранты из Англии, Голландии и Германии, они оказались по прибытии в весьма бедственном положении. Денег не хватало даже на покупку новой одежды или ткани для нее. Стоит вспомнить, что в те отдаленные времена путешествие из Старого Света в Новый занимало достаточно много времени!

Но женщины нашли выход из положения. Хорошие куски от старой одежды складывались в мешки, а позже, собравшись вместе, из них шили одежду, одеяла, покрывала, коврики и т.д. Подобная работа объединяла людей, оторванных от родного крова, от своих корней. А возникший энтузиазм, вдохновение, позволяли создавать подлинные шедевры. Ведь жены английских пуритан, прибывших на берега Америки, привезли с собой не только любовь к уюту и мастерство вышивки, известной в Англии уже в XIII веке, но и умение экономить.

Здесь, в Америке, родился “килт”. Первоначально это слово обозначало одеяло, выполненное из лоскутков и простеганное с утепленной прокладкой. Затем словом “килт” стали называть все изделия, выполненные в этой технике.

С килтом были связаны разнообразные традиции. Так например, приданое девушки обязательно должно было включать 12 изделий, выполненных в технике “килт”. Тринадцатое изделие начинали делать во времена помолвки, а заканчивали перед свадьбой звезда выполнена из 672-х ромбов восьми цветов и производит впечатление излучения (сделан в 1880-м году).

Выходцы из Голландии предпочитали свободный растительный цветочный узор. (Ох, уж эти великолепные тюльпаны!). Каждое графство в штате Северная Каролина имеет свой непохожий на другие орнаменты - «Тюльпан*. И ни с чем не спутаешь английский узор из шестигранников и особую, английскую технику соединения их в единый узор. Народ Эмиш, как и мениониты, предпочитали естественный и простой стиль. Их килты представляют энергичные геометрические рисунки интенсивных тонов и покрыты плотной сеткой килтинга.

Постепенно пэчворк становится выражением американского народного искусства, появляются различные правила, модели, типы и способы. Традиции пэчворка не только не канули в Лету, но во многом благодаря миссионерам, проникли в Азию, Канаду, Австралию, Индию, на Гаити, на Гавайи. Однако, повсюду" он начинает приобретать сугубо национальные черты.

Вот почему- можно говорить о пэчворке гавайском, канадском, австралийском, итальянском, индийском, южно-американском и тд. Каждому из них свойственна особая техника, правила и способы выполнения.

Депрессия 30-х годов в США не способствовала занятию творчеством пэчворка - килтинга, Не было ткани и во время второй мировой войны, но продукты питания продавались в мешках из хлопчатобумажных тканей. Мешки распарывали и получали большие куски ткани. Из одного такого пищевого мешка можно было сшить детское платье, а из двух уже платье для взрослого. После войны искусство пэчворка стало затухать. Тридцать лет назад начали появляться килтинтовые клубы (до того творчество было на уровне семьи). Эти клубы («пчелиный рой») стали особым центром творчества, где воспитывались добрые отношения братства. Готовясь к празднованию 200-летия независимости в 1976 году, народ обратил взоры в свое прошлое. Исследователи бросились перетрясать старину по чердакам и подвалам. Были обнаружены старинные необыкновенно красивые килты, хранившиеся в семьях.

Новая волна интереса к технике пэчворка - килтинга связана и с технологическим подъемом последних трех десятилетий и развитием культуры. С 1970-го года пэчворк стал популярен в Британии и Европе. Пэчворк требует творческого подхода и вкуса. Его изготовление занимает немало времени. Наверное, именно поэтому он является наилучшим противоядием от тех неприятностей, которые нам уготовил внешний мир. Но не станем забывать, что это творчество до того, как превратиться в досуг, было наилучшим способом экономии - использование самых разнообразных кусочков ткани для создания изделий.

Требуется большое терпение, чтобы научиться этому творчеству, необходимо освоить многие технические приемы. Ведь никакой яркий и разнообразный рисунок не скроет плохой стежок и неаккуратную работу. Лишь с опытом приходит мастерство, достигается гармония рисунка. Лишь научившись техническим приемам, Вы обретете подлинную свободу" творческого самовыражения.

Соломка - древнейший из материалов, возделываемый и обрабатываемый человеком. Руки, взявшие первый колос и первый стебель уже никогда не оставляли их, глаза, увидевшие красоту налитого колоса и золотистого стебля не смогли отвернуться от них. Так повелось от поколения к поколению, генетически передалось современным мастерам.
История соломоплетения

За плечами этого ремесла не одна тысяча лет. Ведет оно свою историю от стародавних обрядов, связанных с культами хлеба и соломы. Наши предки верили в божественную силу соломы и зерна, сберегающих в себе живородящую силу природы и щедро отдающих ее не только стеблям и колосьям нового урожая, но всему, кто так или иначе, соприкасается с ними. Поэтому, так почитался последний сноп, убранный с поля, который хранился в доме до нового урожая. С соломой крестьяне связывали свою будущую жизнь, даруя ей роль предсказательницы в многочисленных колядных гаданиях. Зерном осыпали молодых на свадьбе, а молодую сажали на солому, чтобы сила растений передалась молодой семье и их будущим детям. Бесчисленны поверья и обряды связанные с соломой и хлебом. Несмотря на изменчивость мира, они пришли к нам из далеких языческих времен и продолжают жить рядом с нами в виде произведений мастеров. Соломенные "пауки", кони, птицы, куклы - это не просто образы, каждый из них связан с человеком создававшим его, соприкасавшимся с ним, незримыми нитями надежд и чаяний, которые они символизировали.

Изделия из соломы

Соломенные "пауки", одно из самых древних творений из соломки и, пожалуй, самое загадочное. Их формы, построенные на соединении множества одинаковых модулей, поражают своей гармонией. Хаос множества соломенных трубочек в руках творящих мастеров превращается в космически упорядоченные диковинные конструкции, будто в руках мастера создается Мир. Современные исследования во многом подтверждают эту аналогию. "Пауков" в крестьянских семьях вывешивали в канун Нового года, на самом почетном месте дома - Красном углу. Его строгая гармония форм и движения призваны были оберегать дом и его хозяев. Вбирая в паутину своей конструкции все негативное, что могло помешать счастливому течению жизни семьи. Каждый год повторялся цикл. Старый "паук" сжигался и на его место вывешивался новый. "Паука" подвешивали над колыбелькой ребенка и над головами молодых во время свадьбы. Охранять, приносить счастье и в то же время украшать, давать возможность любоваться - такое назначение этих удивительных конструкций.
Кони, козы, птицы, куклы из соломки - это тоже божества и защитники: конь - герой многих поверий и сказок, он всегда сопровождал мужчину и был ему и другом, и советчиком, и защитником; коза - символ урожая и плодовитости; кукла - Мать-Прородительница, защитница женщин; птицы - души предков, охраняющие и помогающие ныне живущим на Земле. На протяжении всей истории своего существования человек не мог обойтись без надежды на помощь и поддержку, непонятых им до конца, сверхъестественных сил. Он наделял их образами, которые сопровождали его всю жизни. Фигурки дарили молодым на свадьбе, друг другу в соответствующие праздники, большие изображения Масленницы, Марены делали во время массовых обрядов, принося в жертву через сожжение или потопление.

Упадок в соломоплетении, после взлета в XVIII- начале XIX-го веков, начался с середины XIX века. Соломенные изображения животных и птиц утрачивали свою обрядовую значимость и постепенно перешли в ранг детских игрушек и пустячных забав, времени на изготовление которых не всегда находилось в нелегкой повседневности крестьянской жизни.

Соломенные изделия для использования в быту

Соломенные бытовые изделия для хранения продуктов, зерна, которые были незаменимы в крестьянском быту на протяжении многих веков хоть и медленно, но тоже стали вытесняться более современными изделиями. Хотя по прочности они могли соперничать с любыми из них. Емкости, выполненные в технике спирального плетения, имели самые разнообразные размеры и формы и находили широкое применение в хозяйстве. Самые большие могли вмещать в себя десятки килограммов зерна. Они были гигроскопичны, их не грызли мыши. Эти неоценимые качества соломенной утвари сделали их жизнь в крестьянской среде более продолжительной нежели пластики. И даже в 1940-1950-е годы некоторые крестьяне изготавливали такие изделия для себя.
С середины 19 века начало уменьшаться и изготовление элементов одежды из соломки. Самыми распространенными из них были соломенные шляпы. Соломенная шляпа была обязательной частью народного летнего мужского костюма. Постепенно сельские жители стали отдавать предпочтение головным уборам фабричного производства, а шляпы продолжали носить для защиты от солнца во время работ в поле или когда пасли скот.
Новый взлет в истории соломоплетения начался в 1960-е годы. С этого времени соломоплетение стало интенсивно обогащаться новыми приемами плетений. Особенно ярко и разнообразно развилась художественная сторона соломенных изделий. Стародавние обычаи изготовления из соломки ритуальных животных, кукол пришли в нашу жизнь. Стали темой для творчества многих современных мастеров и художников. Современные люди во многом утратили веру в божественность создаваемых ими образов. Однако удивляет сила и мощь народных традиций перешагнувших через века и продолжающих свое существование.

Удивительные, казалось бы не сочетаемые, качества соломки: неподатливость и сопротивляемость любому насилию соломенных стеблей и невероятная пластика плетенок и соломенных лент, открыли перед мастерами, постигшими тайны соломки, невероятные просторы для творчества. Ими разрабатывались приемы и декор, доселе неведомые в соломоплетении.

Техника кракле относится к декорированию предметов. Кракле - это узор тонких трещинок на поверхности, создается для декоративного эффекта старины, с помощью специальных средств.
Лаки для кракле

Существует два вида покрывных лаков для кракле.

Первый, так называемый, двухкомпонентный лак кракле от одного производителя наносится в несколько слоев. Начальный слой необходимо накладывать синтетической кистью или сделанной из натуральной щетины ровным, тонким слоем. Первый слой должен сохнуть до состояния "липкой нелипкости" примерно 35-40 минут.
Второй слой лака используемого для техники старения кракле накладывается по той же технологии, что и первый. Следите за равномерностью покрытия. Чем толще второй слой, тем сильнее будут выражаться трещинки. По мере высыхания на поверхности будут появляться трещинки характерные для техники кракле. Поверхность можно подсушить феном. После полного высыхания трещинки затирают специальными затирками: это может быть золотой порошок, темная масляная краска, битум - средство для патинирования или порошок сухой пастели различных цветов. Затирают трещинки с помощью обычных тряпочек свернутых тампоном или простой губкой для мытья посуды. Излишки затирки удаляются материалом пропитанным льняным или подсолнечным маслом, затем следует насухо вытереть поверхность полотном или тряпкой. В виду хрупкости полученных трещинок следует закрепить и защитить поверхность с помощью специального фиксатора. Можно использовать прозрачный лак для акриловых красок.

Второй способ - это использование однофазного кракелюрного лака. Для получения эффекта кракле используются контрастные цвета краски. Для использования однофазного лака для кракле на поверхность наносится одна из красок, затем после высыхания слоя наносится лак для кракле, как и в первом способе он должен высохнуть до состояния "липкой нелипкости", затем наносится второй слой краски контрастного цвета. В данном случае трещинки проявляются сразу, поэтому необходимо проводить окраску быстро, не заползая на предыдущий мазок.

Некоторые советы по кракле:

* Лак перед применением ни в коем случае нельзя взбалтывать, иначе воздушные пузырьки, образуемые после встряски испортят покрытие.
* Лак не должен тянуться, если лак тянется он либо испорчен, либо не очень хорошего качества. Лак должен быть прозрачным и жидким.
* Перед процессом нанесения лака необходимо проветрить, пропылесосить, а лучше всего провести влажную уборку, дабы частички пыли не оседали на окрашиваемой поверхности.

Техник состаривания и декорирования предметов мебели и интерьера множество. Чтобы разобраться и научиться производить украшения для своего дома или делать подарки друзьям и близкими своими руками, а как мы все знаем, ручная работа ценится больше всего, можно пойти на курсы декора, где обучение декорированию проводят опытные мастера.

Плетение из лозы - одно из самых древних ремесел. Оно возникло намного раньше гончарного дела и занимало значительное место в жизни древнего человека. Из ветвей древесных растений возводили жилища, хозяйственные постройки, делали изгороди, детские колыбели, кузова саней и повозок, мебель, детские игрушки и посуду. А самыми распространенными изделиями из лозы были корзины.

История лозоплетения (история плетения из лозы)

На Руси плетение корзин было довольно обычным делом. Почти каждый крестьянин мог при необходимости сплести хорошую корзину. Ну а корзинщики выплетали их на любой вкус: маленькие и большие, круглые и прямоугольные, овальные и конические, с простым и сложным плетением, с крышками и без них. Без корзин в хозяйстве обойтись было трудно. В них носили белье на речку; брали в дорогу, отправляясь в дальний путь; в них собирали урожай; с ними ходили по грибы.

В современном быту корзины тоже находят различное применение, а уж настоящего грибника без нее трудно и представить. И лучше всего для грибов подходит ивовая. Ивовые ветки, из которых сплетена корзина, содержат большое количество дубильных веществ. Благодаря им грибы долго не портятся, а воздух, проходящий между прутьями, как через фильтр, очищается от вредных микроорганизмов. Кроме того, ивовые прутья впитывают лишнюю влагу и благодаря теплоизоляционным свойствам предохраняют грибы от перегрева. И, конечно же, хорошая корзина легка, красива и удобна. Настоящую ивовую корзинку сегодня редко встретишь даже на базаре. Поэтому лучше сплести ее самому, на свой вкус.
Основы плетения из лозы. Заготовка прутьев для лозоплетения

Прежде всего, нужно заготовить добротное сырье. Прутья многих видов ив после соответствующей обработки вполне пригодны для плетения. Исключение составляет ива ломкая и некоторые 1 другие виды. Наиболее часто для плетения заготавливают молодые побеги ветлы, ивы трехтычинковой и корзиночной.

Для плетения обычно применяют прутья в возрасте от одного до двух лет. Для мелкого изящного плетения берут однолетние побеги, которые у отдельных видов ив бывают тонкими и длинными, подобно шнуру; для плетения крупных вещей, а также для изготовления каркаса корзин - двухгодичные. Ивовые прутья, предназначенные для плетения, должны быть длинными, тонкими, гибкими, вязкими, прямослойными и хорошо расщепляться вдоль волокон. Нужно заготавливать только те прутья, поверхность которых после снятия с них коры выглядит глянцевой.

Для корзин старайтесь заготовить прутья длиной не менее 60-70 см при диаметре у комля (в месте среза) 5-8 мм. Обычно на одном кусте ивовые побеги имеют примерно одинаковые физические и механические свойства. Поэтому, прежде чем срезать с куста прутья, сначала проверьте качество одного из них. Если у ивовой ветки на срезе слишком большая сердцевина, да еще с коричнево-красноватым оттенком, не берите прутья с такого куста - они, как правило, бывают ломкими. Для наших целей нужны ветки, у которых на торце среза маленькая, едва различимая сердцевина. И конечно же, нужно выбирать достаточно прямые побеги, без наростов, повреждений и сучков.

Заготавливать лозу для плетения корзин практически можно круглый год. Но чаще всего корзинщики занимаются заготовкой весной и осенью. У весенних побегов кора снимается легко, без предварительной обработки. Если прутья срезаны в другое время года, то, для того чтобы снять кору, их нужно вымочить или выпарить. В летнее время и осенью прутья вымачивают в проточной воде речки или ручья; можно в бочке или корыте, но в этом случае необходимо каждый день менять воду. Заготовленную лозу связывают в пучок, внутри размещают груз - камни и погружают в воду. В качестве груза не следует применять стальные предметы - дубильные вещества, содержащиеся в ивовой коре, могут окрасить древесину в нежелательный цвет. Чтобы прутья не унесло течением, их привязывают веревкой к колышку, вколоченному на берегу. Прутья вымачивают одну-две недели.

Вместо вымачивания их можно пропарить - тогда срок обработки сократится с одной-двух недель до одного-двух часов. Уложите прутья в бак или корыто, залейте водой и поставьте на огонь. Доведите воду до кипения и кипятите прутья один-два часа. Потом выньте прутья, подождите, пока они остынут, и снимите кору. Для этого вам понадобится щемилка.
Щемилка

Конструкций щемилок много, но самая простая их них - металлическая рогатка, вбитая в массивную скамью, стол или бревно. Щемилку можно изготовить из двух металлических стержней. Заостренные стержни (ими могут быть два толстых гвоздя) одинаковой длины забейте рядом в деревянное основание. Снизу обмотайте их толстой проволокой, укладывая виток к витку, высоту 5 - 7 см. Свободные верхние концы разведите - получится рогатка. Чтобы снять кору с прута, вставьте его утолщенной комлевой частью в щемилку и, прижимая левой рукой прут к щемилке, правой тяните на себя. Если кора снялась только с одной стороны, пропустите прут через щемилку еще раз. Очищенные прутья рассортируйте по толщине.

Если тонкие прутья заготовить не удалось, то более толстые расщепите на полоски половинки и четвертушки. Помните, что слишком сырая древесина раскалывается плохо, поэтому подсушите ее в помещении.

Окраска прутьев

Часть прутьев, предназначенных для художественного плетения, протравите или прокрасьте. Серовато-коричневый цвет получается, если прутья на некоторое время окунуть в раствор железного купороса; коричневый цвет - в раствор марганцовки.

Если вы хотите получить яркие цвета, то возьмите обычные анилиновые красители. На ведро горячей воды надо пример четыре пакета анилиновых красок. В красочный раствор добавьте несколько столовых ложек уксусной кислоты. Чтобы прутья хорошо прокрасились, выдержите их в красителе часа три, потом ополосните чистой водой и просушите при комнатной температуре. Непосредственно перед плетением замочите прутья в воде.

Стекло - замечательный материал, играющий важнейшую роль в интерьере наших домов. Оно может выполнять множество функций и поэтому выступает в самых разных формах; сопровождает нас в быту, пленяя своими отблесками, цветами и волнующей хрупкостью. Еще в античные времена умелые ремесленники расписывали зеркала или стекла шкафов и украшали множество предметов утвари, изображая на них сценки из жизни или цветочные и геометрические узоры. Они пользовались красками, которые со знанием дела сами изготавливали, смешивая разные типы глины и натуральные растительные масла. Первооткрыватели «новой декоративной живописи по стеклу» усовершенствовали технику применения материалов, появившихся благодаря экспериментам последних лет. Полная гамма красок для росписи по стеклу – Vetro Color и Сегаmic Со1ог - фирмы «Феррарио» даёт возможность, усвоив простые правила, отправиться на разведку своих творческих амбиций.

Ознакомление с техникой

Обустроим рабочее место. Нам понадобятся:
- хорошо освещённое место (дневной или искусственный свет, не искажающий цвет, например галогеновая лампа);
- идеально ровный (установленный строго горизонтально) стол;
- краски (очень жидкие). После нанесения на поверхность стекла они могут не-желательным образом стекать, следуя наклону столешницы;
- для эскизов и рисунков: тонкая бумага для рисования; калька; фломастер с тонким кончиком; цветные карандаши; ластик для стирания карандаша; линейка с миллиметровыми делениями; фломастер со сверхтонким кончиком для рисования на стекле; бумажная клеящаяся лента; копировальная бумага;
- для нанесения свинца: тюбик контурной пасты Piombo imitazione (Имитация свинца) фирмы «Феррарио»; пачка зубочисток; бритвенное лезвие; плаcтиковые тарелки; булавка;
- для раскрашивания: набор круглых кисточек из синтетики «ARTI»; набор прозрачных красок Vetro Со1ог фирмы «Феррарио», включающий как минимум базовые цвета: белый, чёрный, жёлтый, красный, коричневый и лазурный; набор красок Ceramic Со1ог фирмы «Феррарио» тех же базовых цветов; флакон бесцветного лака Уе1го Со1ог фирмы «Феррарио»; флакон бесцветного лака Ceramic Со1ог фирмы «Феррарио»; флакон специального разбавителя Universal; пластиковые блюдца; несколько полотняных тряпочек, которые не оставляют ворсинок; алюминиевая анодированная кистемойка фирмы «Феррарио»;
- для очистки: состав для обезжиривания стекла; антистатический состав для чистки плексигласа; хлопковая тряпочка, не оставляющая ворсинок. Живопись по стеклу создается, по сути, двумя материалами: контурной пастой, которая имитирует эффект свинца, и краской, прозрачной - для стекла и для холодной росписи керамики. Использование определённой краски может даже изменить функциональность предмета. Контурная паста выпускается в тюбике, выдавливается через насадку, образуя на стекле контур, который после затвердения будет служить границей для краски и защищать её от внешних воздействий. Краска, которая будет наноситься кисточкой, надёжно схватываясь со свинцовым контуром, обеспечит прочное соединение обоих материалов с основой. Свинцовый контур - видимый и эстетически значимый элемент, хорошо узнаваемый и типичный; поэтому нужно выбирать рисунки, изначально созданные в стиле данной техники и по возможности упрощённые.
После выбора рисунка необходимо очистить основу антистатиком, чтобы удалить загрязнения с поверхности и обеспечить максимальную прочность сцепления со свинцом.

Как пользоваться свинцом
) Начнём с подготовки контурной пасты (выпускаемой фирмой «Феррарио» разных оттенков), которая воспроизводит эффект свинца. Откройте тюбик и, проделав отверстие, выдавите немного свинца на пластиковую тарелку, чтобы удалить, возможно, скопившиеся в тюбике лишние воздух и масло. Иногда в насадке может застыть немного пасты, которая будет препятствовать дальнейшему выходу состава наружу. В этом случае удалите застывший свинец, отвинтив насадку и вставив булавку изнутри в направлении выходного отверстия.

2) Снова привинтите насадку, повторите первую операцию, выдавив немного свинца до появления компактного и однородного валика.

3) Чтобы обеспечить равномерный выход свинца из тюбика (без необходимости сильно давить пальцем, напрягая тем самым кисть), подкрутите складку внизу тюбика, стараясь всегда держать тюбик под давлением. Теперь свинец готов к использованию. Чтобы получать хороший результат, необходимо научиться правильной постановке работы. Контур не должен быть ни слишком тонким, ни сплющенным, ни прерывисто-ломаным. Благодаря навыку вы будете создавать из свинца контур, похожий на круглую проволоку средней толщины.

4) Правильное положение тюбика в руке: горизонтальное на среднем пальце до изгиба кисти между указательным и большим пальцами. Придерживайте его указательным пальцем, чтобы не упал. Собственно, работать будет большой палец, регулируя нажимом выход свинца.

5) Чтобы кисть не дрожала, а запястье и мышцы руки не напрягались, на стол следует опираться всем ребром кисти и предплечьем до локтя, чтобы получался единый рычаг, который перемещался бы, скользя по рабочей плоскости.

Внимательно рассмотрите подготовленный рисунок. Логично начинать нанесение контура слева направо и сверху вниз, чтобы не класть кисть или руку на участок с уже нанесённым свинцом. Лучше начинать с одной из внешних линий рисунка.

6) Теперь нужно снять с тюбика колпачок и подушечкой пальца другой руки очистить кончик насадки, который должен всегда оставаться совершенно чистым, иначе остаток свинца может изменить направление выходящего материала

7) Определите точку, с которой хотите начать. Держите тюбик слегка приподнятым над стеклом и начинайте осторожно нажимать на него, выдавливая свинец так, чтобы он ложился сверху, и одновременно двигайте кистью и рукой, стараясь закрыть пастой линию рисунка. Когда необходимо остановиться, перестаете сжимать тюбик за мгновение до достижения выбранной точки, чтобы на стекло лёг последний отрезок свинца, оставшийся в насадке.

Если хотите продолжить работу и замкнуть контур рисунка, снова начинайте нажимать на тюбик, опуская начало валика свинца на окончание контура. Таким образом вы получите однородный контур без лишнего расхода материала. Если в результате образовался «наплыв» из свинца, возьмите зубочистку и осторожно разнесите в разные стороны излишек материала до исчезновения «наплыва». Если свинец не попал на линию, опять воспользуйтесь зубочистками, чтобы подправить контур, сдвинув его на нужную линию.

Эту операцию следует выполнить сразу, потому что через 5 минут свинец начнет затвердевать и после этого его нельзя поправить, разве что полностью удалить неправильный фрагмент контура (с помощью лезвия) и заново переделать. Во время работы важно не спешить: чем медленнее движется рука, тем более аккуратной получается линия контура. Если же будете действовать быстро или резко, валик станет неоднородным и не сможет образовать нужного барьера для сдерживания краски.

Доведите контур рисунка, работая спокойно и непринужденно, не делая резких движений, не выкручивая запястье или руку.

Когда контур закроет весь рисунок, оставьте работу на 5-6 часов, не меньше, чтобы свинец достаточно затвердел. Только после этого можно приступать к заливке композиции цветом.

Прежде чем приступать к раскрашиванию стекла, необходимо провести несколько испытаний цвета на эскизе с помощью цветных карандашей. Ведь чтобы определить, как будет выглядеть наш рисунок, мы должны знать, какую рельефность желательно ему придать.

Как пользоваться прозрачной краской для стекла

Серия прозрачных красок Vetro Color включает 16 оттенков, которые хорошо смешиваются друг с другом, и один бесцветный лак, увеличивающий прозрачность красок для получения светлых оттенков.

Чтобы раскрасить рисунок с уже нанесёнными контурами и свинцом, на рабочем столе размещаем несколько баночек с прозрачными красками для стекла. Кроме того, потребуются баночка бесцветного лака для стекла и несколько кисточек. Теперь нальём разбавитель Universal в кистемойку, которую будем держать под рукой, и, наконец, сможем приступить к работе.

1. Наливаем на поверхность стекла немного состава для обезжиривания.
2. Протираем её сухой тряпочкой, не оставляющей ворсинок.
3. Чтобы получить переход цвета, видимый с обеих сторон стекла, сначала подготовим колера, которыми будем работать. Если нужен более светлый оттенок, добавим в краску немного бесцветного лака (около половины объёма). Каждый колер наливаем в отдельную ёмкость.
4. Тщательно перемешаем колер кисточкой до получения однородного оттенка, затем оставляем на несколько минут, чтобы исчезли воздушные пузырьки, которые образовались при перемешивании.
5. Обмакиваем кончик кисточки и испытываем краску на пробном кусочке стекла, чтобы проверить, получена ли требуемая интенсивность. Если оттенок колера подходит, мы можем начинать работу.
6. Обмакнув в краску кисточку и покрутив её, чтобы сплотить волоски, возьмём немного краски на кончик и нанесём её на стекло так, чтобы цвет начал распределяться от края линии свинца. Работаем осторожно, кисточка должна едва касаться поверхности.
7. Для передачи цветовых переходов берем несколько красок одновременно, нанося их рядом одну за другой и осторожно размывая кистью места перехода между разными цветами, чтобы свести на нет границу и получить их взаимопроникновение.
8. Если после нанесения краски на её поверхности появится воздушный пузырёк, убираем его с помощью зубочистки или кончиком совершенно чистой кисточки.
9. Теперь надо приподнять стекло, держа его горизонтально, чтобы проверить на просвет, не осталось ли где-нибудь «пустых» участков. Для уверенности в идеальной прочности рисунка мы должны наносить краску так, чтобы она полностью прилегала к линии свинца. Примерно через двое суток краска высохнет окончательно, и работу можно вставить в подходящую рамку.

Как пользоваться краской для холодной росписи керамики

Используя краски для стекла, мы до сих пор расписывали предмет, применяя только разные градации одного цвета, или, располагая рядом друг с другом разные хроматические тона, для получения светотени.

Теперь же будем пользоваться палитрой эмалей, которая позволит писать в классической манере, с эффектами естественных цветовых переходов.

Краски для холодной росписи керамики Ceramic-Color - это глянцевые эмали насыщенного и яркого тона, созданные для обеспечения кроющего эффекта. Серия состоит из 19 тонов, могущих смешиваться между собой, и одного бесцветного лака, жидкости, которая при смешивании с эмалью делает её полностью или частично прозрачной.

Это краски двойного назначения: как кроющие они видны в отсутствие подсветки, как прозрачные - при подсветке сзади.

Для росписи воспользуемся круглыми кисточками ARTI из синтетического волоса и разбавителем Universal для размягчения и очистки кисточек. Приступая к работе этими эмалями, мы используем рисунок, контур которого очерчен свинцом. Так же как и в красках по стеклу, готовим колера и для светлых оттенков, добавляем до 50 % бесцветного лака. Тщательно перемешиваем большой кистью № 06 и оставляем отстояться, чтобы исчезли воздушные пузырьки.

А. Делаем пробу двух цветов в углу пластинки, потом поднимаем её и смотрим на просвет, проверяем, чтобы краски имели одинаковую степень прозрачности. Перед началом очищаем стекло обезжиривающим составом.

Б. Для росписи мелких элементов берём очень тонкую кисточку № 00 или 01. Естественно, время от времени надо поднимать стекло, всякий раз в горизонтальном положении, чтобы проверить на просвет, не осталось ли где-нибудь «пустых» участков, особенно около свинцовых контуров. В. Для придания фрагментам росписи определённой фактуры, например эффекта оперения птицы или шерсти медвежонка, надо подождать минут 5-7, потом снова работать с эмалью, нанося кончиком кисточки № 01 быстрые короткие мазочки.

Необходимо помнить, когда будем пользоваться белилами или их смесями с другими красками: чтобы получить примерно такую же прозрачность (как у краски без белил), надо добавлять в колер вдвое больше бесцветного лака. Готовую работу, прежде чем ставить вертикально, следует выдержать не менее двух часов в горизонтальном положении. Полная сушка займет двое суток, после чего картину можно вставить в раму. Для перехода эмали в стеклообразное, исключительно твердое состояние потребуется примерно 20 дней.

Автор Игорь Клисов
Источник: журнал "Художественный совет"

История развития традиционной росписи уходит далеко в прошлое. Первые пещерные рисунки появились на заре человеческой истории. Как предполагают ученые, они играли роль мишеней в тренировках охотников, были предметами бытовой магии, культа или рассказами.

Рисунки и резьба наносились на предметы домашнего обихода. Рисунок 2. Они защищали хозяина, играя роль оберегов, являлись способом общения с богами. Тщательность, с которой выполнялись рисунки, говорит о значительной роли, которую отводили люди этому занятию. Наиболее доступными материалами были дерево, глина…

Со временем значение расписанных вещей, как предметов бытовой магии, утрачивается, и возрастает их эстетическая роль. Развиваются промыслы, каждый из которых отличается особыми приемами и мотивами. Наиболее благоприятными условиями для развития промысла, являются близость к торговым путям, оседлый образ жизни и стабильность.

Направления росписи по дереву условно можно разделить на традиционную и авторскую (живописную). Традиционная развивалась в основном в деревнях на своей исторической родине. Ёе отличает простота, лаконичность, близость к народным корням.

Работы с авторской росписью изготавливалась обычно в городах мастерами. Эти работы отличаются изяществом, продуманностью, профессионализмом и авторским прочтением традиций.

Древние люди верили в духов земли, воздуха, воды и неба. Эта языческая вера и стала причиной появления росписи. Ведь боги суровы и немилосердны, а потому некоторых из них приходилось задабривать, от других защищаться, третьим преподносить жертвы.

Именно на человеческих суевериях и базировались первые узоры росписи. Например, чтобы не дать злым духам проникнуть в горшок с едой, на его ободке рисовали волнистую линию. Предметы, покрытые расписным узором отгоняли нечисть от жилища. Украшенные росписью вещи подносились духам, как жертвы, с молитвами о защите.

Каждый символ, использовавшийся в росписи, имел свое значение. Так, круги и крестообразные изображения были символом солнца и огня.

Шестилучевая розетка была символом грома и бога Перуна. Свастика, символ, ставший сейчас олицетворением зла, являлась знаком движения солнца и жизни. Конь – символ достатка, а птица – счастья и успеха. Помните выражение «синяя птица счастья»? Цветы обозначали здоровье и успешность задуманных дел. Изображение единорога (индрика) несло в себе символ луны, женского начала. В общем, весь рисунок нес в себе закодированное символами пожелание счастья, здоровья, успехов.

Скрапбукинг - доступное всем хобби по составлению коллажей из фотографий, которое уже популярно во многих странах мира. Скрапбукинг, это - повод разобрать архивы цифровых фотографий, отсканировать и привести в порядок старые снимки семьи. А затем создать из них нечто новое: альбомы и мини-альбомчики, открытки и подарки разных форм, которые порадуют близких и друзей особенно, ведь в них - личное отношение, фантазия, забота и любовь.

Обожаю лепить из полимерной глины. Кучу всего себе уже сделала)))